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何多苓是中国当代绘画艺术无法绕过的一个名字。他成名于20世纪80年代，曾以《春风已经苏醒》《青春》《乌鸦是美丽的》等作品给人带来全新的视觉观感，轰动画坛。在40多年的艺术生涯中，除了短暂的赴美经历外，他始终生活在自己的出生地成都——他并不嚮往所谓的“中心”，甘愿在“边缘”坚守自己的艺术之路。远离“中心”的喧嚣、纷杂与制约，他反而可以心无旁騖地走进自我，仅听凭美的呼唤在艺术之境中或疾走或徐行，在随心所欲的自由与瀟洒中抵达自我定义的中心。

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繪畫雕塑能賦予人們文明的意義，於我而言是時代寫照，乃日常生活的一種保存，也是將情感形象化的過程；當初接觸藝術曾有個執念，覺得越畫得仔細、越寫實就越代表畫家造詣深淺，後來經歷過眾多風格迴異的作品，依舊是寫實派畫作最得我心：自然色彩、不誇張的線條多能反映出現實景象，同時欣賞熟悉的輪廓和顏色也能令人樂在其中…… 當中歎為觀止的要數法國田園畫大師米勒的《拾穗者》，他運用細膩的線條，依附着光影柔和對比展示出繪畫微妙變化，捕捉了昔日平凡村婦們撿拾麥穗場面，明言了現實和時代。

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於1958年生於河南偃師的中國畫家段正渠，他以巴洛克式的暗色畫作著稱，並大量使用黑色與褐色作畫。當代唐人藝術中心 (Tang Contemporary Art) 最近於香港空間呈獻 #段正渠 個展《麻黃梁》，展覽涵蓋藝術家過去15年來的畫作， 呈現了藝術家筆下陝北高原鄉村景觀與生活化的場景。麻黃梁位處毛烏素沙漠和黃土高原的交匯，也是段正渠30多年來不斷往返的夢想之地。他的畫作風格有趣，從中可感受到當地細膩的人民風情與鄉土面貌。

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黎薇的展览“童话”在当代唐人艺术中心北京空间开幕了。展览没有策展人，通常画廊发布策展前言的推送这次被替换成了梁文道为他写的一篇文章。黎薇说，因为疫情原因，梁文道并没有来展览现场，这篇文章完全是基于艺术家发去的图片和描述而写就的。

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自安迪沃霍尔之后，广告、商标、和摄影成为一种见证与戏谑商业社会无所不在的艺术语言。王庆松的镜头最初聚焦于西方商业符号在中国的嫁接；在所谓“艳俗艺术”的外衣下，有着对大众消费文化、国家民族现代性与社会发展的深刻内省。他早期的摄影作品聚合着电话、香烟、金钱、VCD，在滑嵇和反讽之间探索镜头对现实的批判性凝聚。其成名作，也是代表作《老栗夜宴图》将中国古代名画《韩熙载夜宴图》中的歌舞升平重写为当代知识分子的物欲横流。而其后的大幅摄影作品《跟我学》和《跟你学》是整体社会追求现代教育的一种浓缩式纪实表达。在疫情使全世界停摆的2020年，策展人崔灿灿在当代唐人艺术中心策划了王庆松的个人回顾展。横跨20多年的作品集中呈现了一位艺术家对消费文化、民族身份、以及摄影的当代使命的思考与回应。

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从2014年的“降维法”，2015年的“模棱”到2016年“景·别”，从把物体压缩之后浮雕式的作品，到把人的居住空间做成装置，在以“透视”为核心向外扩展的创作中，蔡磊的进取是跨越式的。2020年的个展，原计划定在9月，而年初的疫情让所有画廊整年的展览计划变得充满不确定性。随着形势的转好，“单 元”展览按原计划，在当代唐人艺术中心开幕了。

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疫症期間大型博覽停擺，大部分畫廊雖然繼續營業，但展覽規模較小，而且需要預約參觀。位於中環的當代唐人藝術中心，在過去半年不僅沒有休息，展覽規模一如以往，並擴大團隊，不得不佩服負責人的魄力與膽識！

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踏入當代唐人藝術中心迎面而來的是一個巨型充氣模型，一條可愛的毛毛蟲穿過粉紅色的心臟，十分「卡哇伊」，不過假如你以為這是一個動漫作品展就大錯特錯。這個名為《回憶刺穿心臟》的展覽是內地八十後藝術家陳天灼的個展。第一次接觸這個名字已經是六年前他在商場的展覽，當時覺得這位年輕藝術家，善用不同媒介和色彩濃烈的視覺效果，營造一個戲謔和荒誕的世界，頗為有趣，今天再看他的個展，發覺他將這種創作風格再推到極致，通過裝置、影像、繪畫、數碼雕塑、燈箱設計，交織成一個接近神話傳說的空間，包涵了舞蹈、宗教儀式、表演、時尚、音樂，建構成一種獨特的世界觀，可愛的充氣模型與誇張造型的印度教《自在天》的燈箱作品，形成強烈對比，讓人走入視覺效果背後的思想和感官世界。

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罗兰·巴特（Roland Barthes）在“被驯化的摄影”中曾说：“关于摄影，每个人都有两条路可以依循，要不就是选择被驯化的场景，服从于文明的幻像寓意中；要不就是正视摄影中那最难面对、又不妥协的真实觉醒。”但在一些特别的当代摄影实践中，“不妥协的真实觉醒”却成为了构建“文明寓意”的要件——封岩的摄影便是这样的一个案例。

封岩是一个在各方面都有些执着的人：在艺术上，他排斥摆拍，拍摄前会花大量时间去考察拍摄场景、在心里排演想要的构图；拍摄时只用50mm定焦镜头从不更换；拍摄后不裁剪不修片，偶尔进行极小程度的调色；展出时，外框的材料、颜色、尺寸，他无一不亲自监督……所有这些都是为了每一次展出时，作品的“灵光”能达到最大程度的呈现。

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在当代唐人艺术中心位于香港H Queen’s大楼10层的空间里，陈天灼远程营造了一个迷幻场域。20日进行的开幕活动中，由于疫情原因，艺术家本人并没能到场，他的厂牌 Asian Dope Boys 原本计划举办一场party，但也没能进行。“我是挺想去香港的，有很多朋友在那边，可以一起做些好玩的事情，但暂时还是不行”——陈天灼说这可能是自己“最安静”的一次个展。

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2020年8月1日，“工作方法：艺术家的时间、空间与身体”在中关村壹号壹美美术馆开幕，此次展览由盛葳担任策展人，呈现了隋建国、朱金石、张羽、谭平等四位艺术家的创作实践。策展理念：梳理工作方法的艺术史聚焦“艺术家的时间、空间与身体”开幕合影公元1世纪，罗马博物学家普林尼在其名著《自然史》中讲述了一个艺术起源的故事：一位柯林斯姑娘的爱人即将渡海远行，为了永远留住他的形象，姑娘在墙壁上描摹下油灯照映爱人的影子 - 绘画从此诞生；随后，姑娘的父亲用泥土塑造了小伙子的面部，并镶嵌在墙上描绘好的轮廓中 - 雕塑从此诞生。

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2020年8月1日下午4点，由北京实创科技园开发建设股份有限公司主办，壹美美术馆承办的“工作方法：艺术家的时间、空间与身体”在中关村壹号壹美美术馆盛大开幕。本次展览开幕式由壹美美术馆执行馆长路贝女士主持，总策划程辰博士致开幕词，策展人盛葳博士现场解读此次展览的“工作方法”，参展艺术家谭平、隋建国、朱金石（由程辰代致辞）和张羽依次发言，阐释自己的“工作方法”。路贝女士向支持本次展览的各级政府、主协办单位、园区企业、媒体、学校及社会各界人士表示感谢。最后，海淀区委宣传部副部长杨军昌进行总结发言，并宣布展览开幕。

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“到一定时候，如果你比他们西方牛×摄影家还牛×的时候，他绝对不会相信你，有的还会堵你。其实想想，我们当初学西方可能就是学了皮毛，甚至误读了西方。过了很久会反思，和自己的基底发生碰撞。而今天的年轻一代早早地出去，学到的可能都是西方精华。但学完恐怕也会茫然。所以呢，下一步要怎么办？”

2020年7月11日，当代唐人艺术中心在北京双空间推出艺术家王庆松的重要大展“在希望的田野上”。展览由崔灿灿策划，展出艺术家1999至今三十余年创作的重要摄影、拍摄现场等作品二十余件。展览的其中一张海报，值得玩味：背景使用了王庆松最新创作的作品《问它》。花花绿绿的品牌广告Logo，搭配一行绿色的大字：“在希望的田野上”，背后打着一个巨大的问号。这种形式与内容的组合，充满了一种独特的“中国式美学”意味。

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由广东美术馆主办，著名艺术史家、芝加哥大学教授巫鸿策划，广东美术馆馆长王绍强担任展览总监的彭薇个展“彭薇：女性空间”于2020年7月8日至7月29日在广东美术馆举办。展览开幕式于7月8日举行。出席开幕式的领导和嘉宾有：广东省美术家协会副主席、广东画院院长林蓝，广东省美术家协会副主席、广东美术馆馆长王绍强，广州美术学院教授樊林，Art021创始人包一峰，例外时尚集团、方所文化集团创始人毛继鸿，唐人当代艺术中心创始人郑林，收藏家江山，收藏家张华，《三联生活周刊》副主编曾炎，《南方人物周刊》总主笔蒯乐昊，当代艺术家段建宇、陈彧君，砚刻家子安，红日集团董事刘宏剑，金杜艺术中心总监张宇凌，出席开幕式的还有来自美术界、新闻界的朋友。

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“只要一个画家的能力强到极点，就能够把一个不可信的故事变得可信，而且这个故事跟你的画完全不能分割，这是对能力的最大的考验。” 在 Artsy 备受读者喜爱“HOW I GOT MY START”栏目第六期中，艺术家彭薇回顾了她的创作之路，向我们揭示了她对于艺术创作的理解。

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彭薇作品的复数空间，透露出她的多元思维方式。这些不同尺度和维度的系列——或微或巨，或平面或立体的作品——都被一条线索贯穿：它们以女性为起点和终点。这些作品是彭薇的个人表达，同时也在传达艺术家与历史上过往女性形象的跨时代对话。她追求的并不是某个具体的女性类型，而是她对这些类型的回应和再造。
 

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《遠雷》 - 夏日的精靈

寫實派油畫大師何多苓及策展人曠衛訪談

​​主持人：陳嘉佩

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6月6日，秦琦、罗德尔·帕塔雅大型联展在深圳何香凝美术馆开幕。这一由著名策展人崔灿灿策展，共展出50件精彩作品的重磅级呈现，无疑是深圳艺术圈的一大盛事。尽管此时正是南方连绵的雨季，但丝毫挡不住观众的脚步，浇不灭看展的热情。两位取材于历史、钟情于自然、风土的跨过艺术家，以各自熟悉而擅长的方式，共同构筑了一个让人沉迷的梦幻世界，日月星辰从此与众不同。

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2020年6月6日，由于疫情的影响，在北京合艺术中心精致的苏式庭院中传统与当代、东方与西方的多重对话悄然展开。“木·子”朱金石个展是今年合艺术中心第一个展事，内敛含蓄颇具禅意的古典庭院与色彩绚烂、自由奔放的抽象绘画、装置相遇，冲突产生的张力，在预设之外的可能性，都共同构成了这次展览满满的实验性意味。

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俄罗斯艺术组合AES+F的前身AES成立于1987年，由概念建筑师塔绨安娜·雅拉玛索娃（Tatiana Arzamasova）、列夫·埃夫左维奇（Lev Evzovich），以及图形艺术家叶夫根尼·斯夫亚斯基（Evgeny Svyatsky）共同创办。从数字拼贴到瓷器，从玻璃钢雕塑到公共装置作品，三位艺术家以装置、雕塑、数字艺术为媒介展开一系列项目实践。1995年，成员组合中又加入了一位出生于莫斯科的时尚摄影师弗拉基米尔·佛里德科斯（Vladimir Fridkes），于是便有了今天我们所看到的AES+F艺术小组。

“我现在应该已经‘去新疆化’了吧？”在我们和赵赵谈到新疆时，他严谨地补充道。作为出生于新疆的艺术家，赵赵做了许多与之有关的作品，从2009年开始，他向当地人收集了1000把使用过的英吉沙刀，汇集为一件向公众展出的作品；2015年，他载着100公里的四芯电缆从北京运往塔克拉玛干沙漠深处，让一台装满新疆啤酒的冰箱通电运行24小时；2017年，他把一只骆驼从新疆运送至北京，在充满现代气息的唐人展厅中生活10天……这次，他又在当代唐人艺术中心的展厅里，搭建了一座完全由白色的棉花组成的大型迷宫。此时，距离他最开始想用棉花这一材料创作已经过去了四年。

2019年12月，赵赵在北京松美术馆举办了一场具有回顾性的展览，呈现了其过去三年间代表性的作品，展览名为“绿色”，既是阶段性的总结，也预示着全新创作的开始。原计划这场展览会在今年3月份结束，紧接着在当代唐人艺术中心推出的大展“白色”，是“绿色”的延续，也是新的开篇。疫情原因，在“白色”举办的同时，“绿色”也依然在持续，形成了彼此对应的关系。

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作为中国70后最杰出的当代艺术家之一，尹朝阳早在20多年前就凭借其描绘年轻人的青春感伤与现实系列画作得到了业界的广泛认可。这个出生于河南普通家庭的男孩儿，用绘画生生闯出了自己的一片天地。然而40年后，他却又携画笔重返家乡故土，一头扎进那苍劲的嵩山山谷，一画就是十年。往来山中的十年“修炼”，使其思考不再流于形式，而是无限渗透在兵不血刃的“笔墨”之中。

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北京疫情期间，当代唐人艺术中心在北京第一空间与柏林国王画廊联合举办了新一季的艺术群展“我是谁”。展览的主题词“我是谁”，其潜台词可以反相称为“谁是我”，这就使人不禁揣度，无论是在艺术的范围里迷失或找寻，“自我”一词都相对地支撑起了作品的主体。在具体的表现方式与手法定格在技术层面的同时，艺术家本人则在此基础之上晋升为人本主义的思考者与关怀者。也就是说，“我是谁”或者“谁是我”不仅是一句疑问，同时还是一个具有哲学意味的终极命题。

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2020年3月14日，当代唐人艺术中心北京第一空间与柏林国王画廊（KÖNIG GALERIE）联合呈现艺术群展“我是谁”（WHO AM I）。艺术家黎薇也参与其中。事实上，在香港“滞留”的黎薇因为疫情错过了此次唐人在春节后的首次布展，是通过视频和唐人工作人员沟通完成了布展，他的作品《在很久很久以前 Once upon a time》和德国艺术家的作品毫无违和地结合在一个空间里。

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2019年12月22日，2019深港城市\建筑双城双年展宝安桥头社区分展场“坐标：剧场”开幕，萨卡琳·科鲁昂（Sakarin Krue-On）的作品《猎虎》和《道德》参加了本次展览。2019年12月23日，萨卡琳·科鲁昂（Sakarin Krue-On）在宝安桥头社区“桥头废墟花园“举行的讲座“当代地方，何以画像”开始前，《打边炉》和他进行了一次谈话，并将谈话内容与讲座内容一起，整理编辑作文本。依照惯例，问题隐去。

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洛杉磯郡立美術館的展覽《物之魅力：當代中國「材質藝術」》背後有一個崇高的目標。以二十一位藝術家展出展覽的作品為例，聯合策展人巫鴻和Orianna Cacchione試圖杜撰「Material Art」 或「材質藝術」這句短語，希望它能進入藝術歷史詞典，並作為一個新的窗口讓人們了解當代中國藝術與全球（或許更具體地說，西方的）景觀。根據巫鴻在展場目錄中的文章，「材質藝術」這個術語更恰當地描述了那些傾向使用特定材料的藝術家的實踐，但他們卻被錯誤和笨拙地歸類進一些西方藝術的標簽，比如「概念藝術、集合藝術（assemblage）、基於現成品（readymade）或物件（object）的藝術」。在巫鴻的意見中，這些藝術家其實是依靠材料來傳達社會政治或個人訊息。

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由市原湖畔美术馆主办、HUBART瀚和文化策划并协办的“云卷云舒：现代中国美术展·纸”展，在疫情席卷全球的特殊时期，即将拉开帷幕。

此次展览特邀郑妍担任策展人，邀请了蔡国强、李洪波、林延、刘建华、王郁洋、邬建安、伍伟七位艺术家。文化艺术最能代表一个时代的风貌。这是特殊时期中日文化保持交流的友好见证，中华人民共和国驻日本国大使馆、中国人民对外友好协会为本次展览后援，同时由ICHIHARA ART×MIX实行委员会共同协办。

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2020年3月14日，当代唐人艺术中心北京第一空间与柏林国王画廊（KÖNIG GALERIE）联合呈现艺术群展“我是谁”（WHO AM I），涵盖了12位（组）艺术家。

在疫情期间，本次展览作为798乃至北京城第一场当代艺术展览，连续两年高居中国当代艺术权利榜（ART POWER 100）画廊榜首的当代唐人艺术中心，铤而走险，向当下现实再次发起提问。

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这是一期迟到已久的节目，录制于春节前，那时候《局部》第三季刚刚上线，我们找到陈丹青老师，和他聊了聊新一季的节目，他对于意大利湿壁画由来已久的兴趣以及在文艺复兴主流叙事后被遮蔽和被掩盖的出色画家和作品，他对于美剧以及方兴未艾的技术发展的看法，同时也想听听他对于即将过去的2019年的回顾和总结。由于疫情的原因，这期本该在2019年年末推出的节目迟到了两个月。如今回看，有种物是人非换了人间的感觉。作为一个播客节目，我们的力量微薄，倘若艺术在这个时候有什么价值或者意义，那可能是让我们看到，经过种种淬炼和历史磨难留存下来的作品，如今仍然具有抚慰人心的作用。那些真诚的、良善的、美好的东西将永远闪闪发光。

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封岩的这些在初看之下使人情绪不安或产生无以名状反应的作品，提出的其实是艺术家以身为在当代中国生活的一个人，对于每日生活所感受到的一种非常微妙的含义和洞察力。那些消逝的细节和看似漫不经心选择的场所，表达了个人内心和公众空间之间饶富意味的观察，透过敏锐的隐喻和作品较大的尺寸，这些影像是对中国当代日常生活一种不朽的“造像”。

——Michael J. Hatch（普林斯顿大学东亚艺术史学者） 节选自“滤后的静物”

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当代唐人艺术中心香港空间于2020年2月13日，推出了艺术家封岩的同名个展“封岩”。这是艺术家在香港的首次个展，也是近年来的重要个展，展出其极具代表性的“迷幻的竹子”“唐陵深草”“绘画”“纪念碑”等系列作品14件。

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當代唐人藝術中心正舉行內地藝術家封岩的個展，這是藝術家在香港的首次個展，也是近年來的重要個展，展出其極具代表性的《迷幻的竹子》、《唐陵深草》、《繪畫》、《紀念碑》等系列作品共十四件。

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中國攝影藝術家封岩說，「在人們的慣性思維裏，鏡頭只能對準證明是有意義的事物，正如每處風景名勝都有一個最佳的拍攝位置。」然而對喜歡拍攝日常物件的他而言，通過拍攝與日常生活感知密切的物件或細枝末節，以大尺寸畫面強調物件的細節，既令作品產生一種觀賞性及藝術性，藉此也呈現出物件在工藝中的視覺美感。他最近首次在香港舉辦同名個展，黑皮椅、木箱、並排的畫布看似瑣碎平凡，背後既潛藏他的個人情緒，亦隱晦地觸及幾代中國人的集體回憶。

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松美术馆跨年展览“绿色”展示了艺术家赵赵2016年至2019年间的精彩艺术创作。如果你正好在日落时分来到展厅，巨大的沥青地面散发出静默的光辉。反光的碎片，纯洁无暇。顶光洒下的光线，把人的目光拉向地面，迷幻而又肃穆。此刻的天空显得比大地更坚实。 

新快报（记者 梁志钦）近期，广州美术学院美术馆与当代唐人艺术中心合作推出美国艺术家迈克尔·查莱赫斯基推出数字虚拟个展——“万物与虚无”，观众可通过扫描二维码可以进入虚拟展厅。这一个展示的尝试，正好与艺术家对“万物与虚无”之间的探索不谋而合，他同时表示，“随着我们越来越多的在这些虚拟空间中生活，与物质世界直接互动并保持平衡就变得更加重要。所以我非常高兴这个虚拟展会有一个对应的认真布展的实体展览，我期待着展览真正落地的那一天。”

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2019年，策展人崔灿灿在当代唐人艺术中心位于798的空间共策划了包括陈彧君、琴嘎、黄一山、徐小国、陈丹青在内的五位艺术家的个展。其试图通过采用不同的展示方式及叙事逻辑以彰显艺术家各自的创作特点，并激活空间的可能性，从而将五个展览所代表的五种当代艺术处境及其间所具有的张力有效地加以呈现。

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松美术馆即将恢复展览“绿色”展示了艺术家赵赵2016年至2019年间的精彩艺术创作。其中《玉璧星空》是《星空》系列的延续。

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初初知晓荣宅要举办新展《李青：后窗》时，便心向往之。

一是源于对荣宅的偏爱，无论是《刘野：寓言故事》还是《我曾为何物？》，在这座充满浓浓老上海气息的百年宅邸的语境中，总能枝生出一种神秘感和经年涤荡的宏伟感……

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出生于八零年初的艺术家赵赵，在严苛的计划生育政策下成为了第一批需要习惯独处的孩子。他说他习惯了自己踢足球，自己看夕阳西下，他在地广人稀的边疆度过了他富有浪漫主义色彩的少年。三年前在当代唐人艺术中心展出的作品《塔克拉玛干计划》中，赵赵好似还是那个笃力前行的少年——一个带着100公里的电缆驱车4000公里，为了让一台装满新疆啤酒的冰箱在空旷无人的沙漠里运行24小时的人。

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2019年10月，当代唐人艺术中心曼谷空间举办陈子豪个展——“2.5D”，展览由孙文杰策划，呈现了艺术家近阶段的艺术成果。不禁引人思考，陈子豪汲取了大地艺术的哪些影响，又如何基于自身的文化背景，在历史的局限性中寻得出路。

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作为西方古典艺术的核心命题之一，“透视法”最早出现于1420至1450年间的佛罗伦萨。布鲁内莱斯基、多纳太罗、马萨乔、阿尔贝蒂以及安吉利科等都是这一伟大发明的见证者。几乎可以说，它支配甚至主宰了整个西方艺术史，包括17世纪以降的“再现”机制、19世纪现代艺术的“反透视法”以及后来的种种“去透视法”实践等，在某种意义上均可置于这一历史叙述的框架。

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10月4日，尹朝阳最新的个展“青绿”在香港当代唐人艺术中心开幕，展示了他十余幅风景油画，三件雕塑，及他对于材料进行全新探索的装置作品。

这些作品带给人们又一个新的面貌，或者，如他本人所说，是尝试了许久，但还没有被系统梳理过的面貌。

这个展览的作品他是如何解读的，艺术之于尹朝阳到底有何种魔力，他对于自己所处的大环境，甚至这个市场到底是怎么看的，通过这个初秋的一次对谈，我们对他又有了更深刻的认识。

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对话尹朝阳，不是件轻松的事，一如他的画，总在第一时间给人猝不及防的冲击。不论什么问题，他总是“语出惊人”，但“惊吓”之后，稍一咂摸：嗯，说的倒是大实话……

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我们到达尹朝阳工作室时，他正在临颜真卿，“书法这东西，写不到十年不能说话。”他没有抬头，像是说给自己听的。实际上，尹朝阳除了画画之外，写字也六七年了。在他看来，这是中国人一种必备的教养，是要恭敬对待的。一如他画了三十多年的绘画，除了需要过硬的功底，也需要时时刻刻的反思。尹朝阳说，自己从来没有为题材、为技术苦恼过；绘画也一直是持续推进，渐入佳境。如今即将步入知天命之年的尹朝阳，回溯自己走过的路、遭遇过的或壮阔或泥泞的风景时，只有淡淡一句：“我尽力了。”

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徐小国个展“近作”入口处选择的第一件作品《第三国际塔》（2018-2019）其实正是整个展览中最令艺术家自身纠结困扰的作品。在空间通道极长的视距作用下，观众只能看见一个模糊的结构，并不能够一眼看清画面中想要表达的主体，那些交错的线条与形体的消弭在周围的负形轮廓框选之间完成了一种上升与潜伏。

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对黄一山的了解是从他的作品开始的。早就听说过他是个热衷于画地砖的艺术家，确切地说是用制作地砖的方法在画布中搞装修。采访那天下午，我提前来到了当代唐人艺术中心展厅，在见到他本人之前再次完整地浏览了他近两年的作品，包括一件记录了他如何制作画面中的仿真门板以及将一幅画好的画塞进门缝过程的录像。

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柏林是文化游牧者的兴奋之地，对于这座城市来说，派对是一个个体自由释放的过程，而不是一个消费型的活动——没人在乎你穿什么，甚至可以什么都不穿，只要尽情跳舞就好。这是一种无秩序下的高度秩序感，个体可以在其中得到最大的自由。

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初见琴嘎，就让人感觉是一个朴实的北方汉子，在他身上有种粗粝与野性存在。他是真诚的，对人和作品，也具有一种艺术家的狂妄。琴嘎也是复杂，矛盾的，不同的身份印记在他身上显现，兼具着都市与草原，部落与城镇的身份。而这种复杂与矛盾不单单是身份层面上，也体现在琴嘎创作和生活中。

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